[Lista] Filmes Questionáveis Quando o Assunto é Racismo

Filmes clássicos não é sinônimo de ser isento de críticas.

Alguns filmes envelhecem como vinho. É o caso de clássicos como Psicose (1960) de Alfred Hitchcock e Tubarão (1975), de Steven Spielberg. Já outros, envelhecem como leite no porta-malas. E quando falamos de racismo, o cinema tem um histórico tão embaraçoso quanto extenso. Obras premiadas e queridas por gerações escondem – ou escancaram – visões profundamente racistas. A questão não é julgar o passado com os olhos de hoje. É entender como esse passado moldou o presente. Não é cancelamento raso ou a queima de filmes como se a Inquisição existisse. Mas também é impossível passar pano só porque o filme foi “importante”. Clássicos como A Canção do Sul (1946) e O Nascimento de Uma Nação (1915) exigem reflexão. Prepare-se para repensar o que já parecia estabelecido – e lembrar que até um Oscar pode vir com um asterisco. E bem diferente daquele de Thunderbolts (2025).

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#1 – O Nascimento de Uma Nação, de 1915.

Vamos direto ao ponto. Esse filme é uma aula de cinema e, ao mesmo tempo, uma aula de como o cinema pode ser usado para o mal. O Nascimento de uma Nação foi inovador tecnicamente. O diretor D.W. Griffith inventou praticamente a linguagem cinematográfica moderna. Aqui, temos elementos como cortes paralelos, a câmera em movimento, a montagem fluida e planos grandiosos. O primeiro movimento para batalhas colossais, como a dos Campos de Pelennor em O Senhor dos Aneis e o Retorno do Rei (2002). O problema? Ele usou tudo isso para contar uma história racista. O Nascimento de Uma Nação glorifica a Ku Klux Klan como salvadora dos brancos do sul dos EUA. E o faz enquanto retrata negros – interpretados por brancos em blackface – como criminosos e selvagens prestes a destruir a sociedade com a miscigenação. Era o Oscar entregue à intolerância com trilha épica ao fundo.

A recepção do filme foi tão positiva à época que ele foi exibido na Casa Branca e elogiado por Woodrow Wilson (1856–1924), ninguém menos do que o presidente dos Estados Unidos. Não por acaso, O Nascimento de Uma Nação contribuiu diretamente para a reativação da KKK por volta de 1915, ajudando a embalar o racismo com estética sofisticada e com novos elementos. Como o caso do capuz branco e as cruzes em chamas propagadas pelo filme. É o clássico caso de “a forma revoluciona, o conteúdo destrói”. Hoje, o filme é mais estudado como documento histórico e peça de propaganda do que como entretenimento. Estando no mesmo rol que O Eterno Judeu (1940), filme de propaganda antissemita da Alemanha Nazista (1933-1945). Não dá para separar arte de contexto quando a arte é o contexto. E neste caso, o contexto é um retrocesso glorificado com maestria.

#2 – …E o Vento Levou, de 1939.

Ambientado na Guerra Civil Americana (1861-1865), …E O Vento Levou narra o colapso do sul escravocrata sob o olhar de Scarlett O’Hara (Vivien Leigh), uma jovem branca mimada que lamenta mais a perda de seus vestidos que o fim da escravidão. Mas o problema não está só no drama pessoal da protagonista – está na forma como o sistema escravocrata é tratado. Os brancos sulistas são retratados como nobres decadentes, enquanto os negros aparecem submissos, leais e estranhamente satisfeitos. Tudo parece desmoronar na vida da protagonista após a Abolição da Escravidão e com a derrota dos Estados Confederados. Parece que todo o sofrimento real foi cortado da edição final. Aliás, o termo “O Vento Levou” se refere ao Velho Sul, “uma terra de cavaleiros e campos de algodão onde o galanteio se apresentou. E agora, não passa de um sonho a ser relembrado”. Sim, você não leu errado.

O filme venceu 10 Oscars, incluindo o de Melhor Atriz Coadjuvante para Hattie McDaniel, que interpretou Mammy. Foi um marco histórico? Sim. Mas também carregado de ironia. McDaniel não pôde se sentar com os outros indicados por ser negra. Fruto da política institucionalizada de segregação racial. …E o Vento Levou se tornou um símbolo de romantização do sul dos EUA – como se a escravidão fosse um detalhe incômodo numa grande história de amor e tragédia. E onde os negros se acomodaram com o seu papel de escravos na sociedade. Não é à toa que, décadas depois, plataformas de streaming passaram a exibir o filme com avisos de conteúdo. Ou algumas até se colocaram contra sua exibição. A obra é monumental. Financeiramente, é um dos filmes mais bem sucedidos da história do cinema. Mas a nostalgia que ela vende tem cheiro de algodão… e sangue.

#3 – A Canção do Sul, de 1946.

Se existisse uma medalha de “filmes mais escondidos pela própria produtora”, A Canção do Sul ganharia com folga. A Disney, a mesma empresa que produziu Aladdin (1992) e Branca de Neve e os Sete Anões (1937), que costuma transformar até vilões em produtos licenciáveis, finge que essa animação misturada com live-action nunca existiu. E com razão. O filme se passa no pós-Guerra Civil, na época da Reconstrução (1865-1877) – um momento em que negros tentavam sobreviver às sequelas da escravidão. Só que aqui, tudo isso é substituído por cantorias alegres, coelhos dançantes e um simpático senhor chamado Tio Remus (James Baskett). Ele conta histórias mágicas enquanto atua como uma figura paterna para crianças brancas. É como se a segregação racial fosse só um detalhe no roteiro. Mesmo que, em seu ano de lançamento, as Leis Jim Crow separassem brancos e negros até nos cemitérios.

O personagem Remus é carismático, e a canção “Zip-a-Dee-Doo-Dah” até ganhou o Oscar em 1948. Mas o problema não está na melodia, e sim no que ela apaga. O sofrimento real do período da escravidão. O filme trata o período mais conturbado da história americana como se fosse um parque temático da amizade inter-racial. Algo que nunca foi. Os críticos da época já percebiam isso – e hoje, A Canção do Sul é estudada como símbolo da negação histórica. Uma amostra de que o cinema não somente pode glorificar, como também apagar momentos sombrios da história. A Disney se recusa a incluí-lo em seu catálogo oficial, e qualquer menção à obra vem com um aviso mental. Assista por sua conta e risco moral. Nem mesmo a Casa de Mickey assume essa autoria. E sinceramente? Esse aviso é mais do que justo.

#4 – Dumbo, de 1941.

Não basta um filme da Disney, temos que ter dois filmes quando o assunto é racismo. É o caso de Dumbo, o elefantinho que voa com suas orelhas gigantes e o poder do afeto. Mas nem todo voo é leve. Entre cenas emocionantes de Dumbo e sua mãe, o filme esconde um momento constrangedor. Os corvos que ajudam Dumbo são caricaturas racistas de afro-americanos. O líder, chamado ‘Jim Crow’ – nome das leis que institucionalizaram a segregação racial nos EUA até 1965 – fala com sotaque estereotipado, gesticula exageradamente e serve apenas como um alívio cômico. Jim Crow era, inclusive, uma ofensa pejorativa contra negros na época. Uma escolha de nome nada acidental. Em 1941, isso podia passar como “humor” para uma parcela da sociedade, assim como o blackface. Hoje, soa como um erro grave e passível de punição em países onde o racismo é crime.

O contexto explica, mas não justifica em nada os erros do filme. Nos anos 40 do século XX, a segregação dominava cinemas, transportes e até escolas no sul dos Estados Unidos. Só em 1948, George McLaurin se tornou o primeiro negro a entrar numa universidade americana, a Universidade de Oklahoma. Isso por decisão judicial. E ainda assim enfrentou discriminação entre seus pares, membros de uma elite branca privilegiada. Dumbo reflete essa exclusão ao retratar personagens negros de forma caricatural, com partituras que reforçam estereótipos servis. É um clássico emotivo e belo em termos de técnica, mas essas cenas envelheceram como fruta esquecida na mochila. A Disney hoje adiciona avisos de conteúdo sensível antes da exibição, e muitos pais pulam essas partes ou evitam certas músicas. Afinal, a fantasia não precisa carregar preconceitos disfarçados de piada. A versão live-action de 2019, felizmente, corrige muito desses problemas.

Filmes clássicos também precisam de desconstrução.

A arte é um espelho do seu tempo. Mas quando esse espelho reflete apenas a visão do opressor, é preciso fazer uma pausa. Filmes como O Nascimento de uma Nação, …E o Vento Levou, A Canção do Sul e Dumbo são marcos – e alertas. A Guerra Civil Americana e as Leis Jim Crow são panos de fundo reais que o cinema, por vezes, ignorou ou deturpou. Assistir a essas obras hoje exige estômago e reflexão. Educar novas gerações sobre esses filmes significa contextualizá-los, ensinando sua importância e seus erros, para que o passado não seja romantizado. O cinema moderno pode aprender ao priorizar narrativas inclusivas. O direito de amar o cinema como arte é válido, desde que acompanhado de um compromisso com a verdade. E se o clássico incomoda, é necessário iluminá-lo com um olhar crítico, garantindo que a arte inspire sem apagar a verdade.